Josef Alber 與 James Turrell

Josef Alber 與 James Turrell
1) 這兩位藝術家各自的創作背景與創作媒介

Josef alber德國畫家、設計師，極簡主義大師。是美國「繪畫抽象以後的抽象」及「歐普藝術」（OP Art）的先驅.

創作背景二戰前夜希特勒政權的重壓，抽象主義興盛，後來又經歷了十九世紀隨著資本主義的發展，西方世界對世界萬物的認識經歷了一個輝煌的時期他曾就讀於美國的黑山學院，在那裡接受了達達主義的藝術觀念。早期作品都是具象畫，但不久即轉變為徹底的幾何抽象繪畫，而且一直堅持以抽象繪畫形式表現；1940年後造型簡潔，探求色彩和造型間微妙的關係，每一正方形沒有圖形與背景之分，被稱為「硬邊藝術」（Hard Edge）的風格。

20世紀50年代，是抽象主義的興盛期，勞森伯格將達達藝術的現成品與抽象主義的行動繪畫結合起來，創造了著名的“綜合繪畫”，這是他走向波普藝術的開端。在20世紀60年代，他開始把大眾圖像拼貼成大型絲網版畫，對波普藝術的發展起了很大的推動作用。他以抽象表現主義風格試驗攝影設計與繪畫，逐漸發展出個人的獨特藝術風格——融合繪畫.這是一種美術拼貼技法，利用生活上的實物與新聞圖片組成抽象的畫板畫。

創作媒介：在他的創作世界裡，報紙、廣告、商標、影視圖像、封面女郎、速食、卡通漫畫等都可以成為創作素材。他幾乎把所有可以找到的東西，甚至喂飽的山羊、剪碎的報紙、布料、時鐘、攝影、繪畫等，一股腦地塞進自己的作品中，再用顏色拼合。

勞森伯格打破了傳統的繪畫、雕塑與工藝的界限，形成自己獨特的藝術表達方式，他的“集成”作品引發了二戰後美國藝術界的騷動。

James Turrell

創作背景：，是一位以空間和光線為創作素材的當代藝術家。1943年5月6日出生於美國洛杉磯加利福尼亞州的帕薩迪納。他的父母親都是貴格會信徒

創作媒材：將光當做一種材料，但是感知才是媒介，天空、光、空間

2) 這兩位藝術家如何在作品中進行色彩的探究

James Turrell利用封閉空間將觀者包圍，以控制觀者接收光線的程度。善於以光線隧道和投射手法來創造出看似具有品質和重量的形狀，但其實這些形狀只是光線的投射。

Josef alber有時候用相同的抽象拼貼畫元素和相似的著色筆觸不用的嘗試進行創作，一貫追求有系統、有秩序、實驗性、簡潔的構成，呈現色彩與直線間的精確呼應關係，他所表現的重心在追求形與形間、色和色間的關係與平衡。在理性的幾何硬框中隱然帶有感性的意圖，表現暖色與寒色、寒色與寒色相比鄰所產生的聚散與前後推移的空間感。在筆觸上，運用單色上彩料並非厚塗，所以有濃淡筆觸可見。

 

Josef Alber

 

James Turrell

3) 比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式

James Turrell創作過程挑戰人們快速觀看藝術作品的習慣。他認為觀者在一件藝術作品上花費的觀看時間太短，以致於無法認真欣賞作品本身。通過作品本身出發，運用光線照射方式的控制，讓作品更有生命力

展出方式通常利用封閉空間將觀者包圍，以控制觀者接收光線的程度

Josef alber創作過程和展覽方式：他對玻璃這種材料的特性非常著迷，非常善於將這種特性運用到自己的作品當中。受包豪斯理念的影響，亞伯斯將他的玻璃繪畫作品設計成複雜的矩陣，把他收集來的玻璃碎片用金屬框架連接起來。這些玻璃本身有的自帶顏色，有的無色，而且玻璃的特性使得作品能很好地與環境結合，並受光線和觀者自身位置變化而變化，產生一種其它材質無法替代的身臨其境的感受。

後來這些極簡主義作品將一些長矩形的黑、黃、紅等縱橫交錯、精細地畫在磨砂玻璃上，堅硬的矩形外緣與溫潤的磨砂玻璃表面在視覺上形成了強烈的對比，雖然不能像透明玻璃那樣可以顯示出背後的環境，但仍有溫柔的光線從後面透出，其效果朦朧而又堅定。

他在各領域尋找極致來重新建構對世界的認知。運用的色彩關係的圖例，這些圖例生動直觀地體現了現代色彩理論：色彩的變換與協調、色相與環境的關係。色彩的這種純粹性一直讓亞伯斯著迷不已，並試圖用這種純粹的關係去構建世界的關係。“色彩是一種結構方式/以呈現它們的圖像，一次色彩變得有自主性/我感興趣於一種特異的效果/一種美學經驗有並置的色彩之間互動中孕育而生。”亞伯斯精確地計算了每塊顏色區域的面積，設計好他們之間的對比，將顏色同樣不加調和地直接刮到畫布上，三個或是四個同心方由內向外擴展。為達到色彩的精確性，

Josef Alber

James Turrell

Alexander Calder

Alexander Calder ，生於美國

看完介紹發現Calder喜歡彎曲鐵絲做一些小童玩，原本是一個完全工藝性的領域，但Calder 改變了方式從一成不變的工藝性，逐漸走向抽象思考，擺脫原始工藝性，走向精深的藝術。

Calder 的雕塑好像是表現出動態的連續性，壓縮成一個整體物件，藉以形成生動的圖像 。感覺跟一般的雕塑比Calder是更生動賦有律動的而且透過時間和空間表現動態藝術。

calder運用細膩幾何與抽象性的造型來創作，運用靜態、獨立無基座雕塑形式。

Lucio Fontana

阿根廷/義大利藝術家。生於阿根廷聖塔非省的羅薩里奧，其父為義大利人，其母為阿根廷人。
封塔納最為人知的藝術貢獻在於其一系列「割破的」畫布。他因此成為極少主義的始祖。（資料來源wiki)

一開始看到其實當下分不太清楚是一個平面繪畫還是實際上畫布割一橫，因為這樣的錯覺讓我在平面繪畫和立體雕塑這兩個媒材上去想他們之間的關係

從平面到創造空間這件事和立體去創造空間這兩件事是在他的作品覺得很有趣的，因為畫布本身通常就是拿來做平面繪畫而賦予它立體的空間感但封塔那卻把畫布割破直接創造了空間反而更像雕塑

雖然我不懂他真正想表達的事物，但覺得用這樣極簡單的割破這件事去讓觀者有別於一般被歸類的媒材有更多面向的思考作品這件事讓我覺得很有趣。

Paul Klee

Paul Klee幽默的作品讓人感覺充滿夢想、音樂、詩意的。

 

Klee的作品多半尺幅小。媒材方面非常多樣，油畫、水彩、蠟筆，有時甚至只是在墨水筆畫在卡紙上，保存上較為困難。klee的作品中散發的天真並不是剛出生那樣的而是在看過了現實人世醜惡之後，還能保有孩童那一份不作僞的天真。

 

他相當喜歡古典樂的克利將色塊做分割，也運用線條和造形表現韻律感。  

他連續不斷地研究離本質更近的主題和形式，他把繪畫或者創作活動，看作是不可思議的體驗，在這個體驗過程中，，把內心的幻象和對外部世界的體驗結合起來。

1914去過Tunisia後，給予他很大的改變，嘗謂「藝術不是用來觀賞的，而是創造觀賞。」用線條和色彩來主宰。1933回到瑞士後，被病魔擊倒終而失去生命，以至於後來的畫作常以黑色條紋來表現死亡與戰爭。

 

電影－雙面薇若妮卡

我一直相信平行世界這個說法，在同樣的時間點，卻有一層又一層的時空，而我們也同時的在這許多時空中活著，而我現在所過的人生，其實只是我在許許多多面臨的選擇中，所分別選下的結果，也就是說如果有A,B,C,D，我只是選了其中一個然後就開始了每個階段因為不同抉擇而導致的結果，但是選擇別的選項的另一個時空的我是走向別的結果。所以我看完這片，我不是想說世界上會有跟自己長得一模一樣的人之類的，而是就覺得他很貼切的表達出我前面所講的，所以兩個薇若妮卡才會同時存在，並且這麼的不經意的感受到彼此，在每一個抉擇中選擇了迴然不同的決定，走向迴然不同的人生。

這位被尊為“當代歐洲最具獨創性、最有才華和最無所顧忌”的電影大師，他的電影語言就像哲理一般講述著人類精神層面的存在狀態，然而他的作品並不顯得生澀難懂。 宿命和神秘本身都是充滿懸念的詞，因此在基耶斯洛夫斯基的作品中無一不看見他精心建構的敘事結。
在這個世界我們不乏洞察真理的哲人，也不乏故事講得驚心動魄的敘述者，然而奇士勞斯基這位以畢生體驗窮究個人生命的導演，他似乎在兩者間找到了一個完美的契合點。

橫尾忠則

我喜歡他忠於表達自己 不畏世俗 他的圖很有意境 很震撼 
橫尾忠則的名畫眾多，百無禁忌，生猛有力，多數與情色相關，但又詭異多變，就像他認為自己能感受到來自靈界的訊息，更宣稱曾經和外星人有過第三類接觸。雖然他特異的言行讓作品招致正經八百的藝文人士攻訐，但橫尾在藝術界的評價與地位仍不動如山，而第一眼讓我驚艷的是在於流口水的女孩與腋毛衡炸的女孩插畫， 說他是異類大師一點也不微過且深深的吸引著我。